A Dohnányi Quartet koncertsorozatának új évadában három történet állomásai kerülnek egymás mellé. Mind a négy hangversenyen megszólal Bartók és Dvořák gazdag vonósnégyes-termésének egy-egy darabja, valamint egy kvartett az elmúlt év(tized)ekből. A kortárs vagy majdnem kortárs darabok két különlegessége, hogy szerzőik tanár-tanítvány-láncot alkotnak, Goffredo Petrassitól a mai magyar fiatal generációig, illetve hogy mindegyik kapcsolatban áll a közös mester, Bach művészetével.

Tomáš Liška’s “Invisible World“ is a truly unique venture within the landscape of contemporary Czech and Austrian music. The project’s own musical compositions combine elements of Jazz, chamber music and from the Mediterranean and South-Eastern regions of the European continent. Their approach is based on a philosophy where music is a clear and crystalline medium which irradiates a rich palette of emotional hues. These are inspired by strong melodies which are adorned by a subtle and seemingly effortless lacework of improvisation. As Petr Dorůžka, world music journalist put it: “A sophisticated blend of New and Old World influences, including Turkish violin, Balkan accordion and a pinch of tango nuevo. The result leaves as much space for listeners as for the musicians. A great opportunity for music adventurers.” Based in Austria, Invisible World performed on World & Jazz Festivals and venues across Europe, Africa, Japan, Scotland and the United Kingdom. In 2017 the band was awarded the Audience Award at the international music conference Ostrava Music Crossroads and received an invitation to Ritmo Festival in Budapest. In 2018, they were nominated for Ceny Anděl, the ‘Czech Grammy Award’ in the category of Jazz & Blues. Efe Turumtay (violin) was born in Istanbul, Nikola Zarić (accordion) in Serbia and Kamil Slezák (drums) in Moravia. Tomáš Liška (upright bass) met all three in the course of his musical journeys around the world, while tirelessly searching for fascinating interactions between instruments and cultures which would enthrall both him and his audiences.

In the season of 2022/23, Modern Art Orchestra presents excellent Hungarian composers to the audience of Opus Jazz Club. In their series of six concerts, they invite composers who experiment with orchestral sound and look for new ways of expression. They will also be the soloists of the concerts, presenting their new works. The artistic director, Kornél Fekete-Kovács and all the musicians in the outstanding MAO treat music with an attitude that transcends borders of genres. Musical creativity and free expression of musical thought takes the centre in their playing and compositions. During this season, they work with autonomous creative minds of modern Hungarian music, whose way of thinking falls close to theirs.

The series of Classicus Quartet, arriving in its fifth year, offers a unique cross-section of quartets from music history in the BMC Concert Hall. Having performed various works arranged by tonality, now for the last season of Das Wohltemperierte Streichquartett (The well-tempered string quartet), the quartet combines works of contemporary composers and those undeservedly omitted from the original plan. In Lera Auerbach’s Tenth String Quartet, finished in 2020 and entitled Frozen Dreams, the basic notions of winter as an eternal symbol are completed by impressions from the quarantine. Born in Russia and living in the USA, Lera Auerbach is labeled as today’s renaissance artist with good reason: as well as playing the piano, conducting and composing, she is also engaged in literature, fine arts and theatrical productions. Her poems were published in books, her artworks are featured in exhibitions and private collections, and her compositions come to life in the most famous concert halls. Auerbach’s music is exquisitely crafted, emotional, and boldly imaginative. Her early works were especially influenced by Shostakovich, whose String Quartet No. 3 was composed in 1946, after his Ninth Symphony came under fire by Soviet authorities. According to the ensemble who premiered the work, its five movements represent succeeding phases of a war. The music is playful and serious at the same time: lightness and virtuosic brilliance alternates unpredictably with the expression of bitterness, foreboding and emotional eruptions. Schumann wrote much fewer quartets than Auerbach or Shostakovich. After at least two unsuccessful attempts, he finished three quartets in a couple of weeks during the summer of 1842, just to abandon the genre for the rest of his life. While his wife, Clara was on a Danish tour in early 1842, Schumann wasted away alone in Leipzig, and tried to kill time by studying quartets of Mozart and Beethoven. Upon the return of Clara, they continued these studies together – no wonder that we can feel the influence of classical composers in Op. 41, which, nevertheless, speaks the individual language of Schumann himself. The three quartets of Op. 41 were praised by performers, critics and audiences alike, and are greeted with enthusiasm still today.

Limbo has been one of the leaders in contemporary Czech jazz for more than 15 years. The band is straddling several genres, basically being above them. The unusually busy quartet creates a universal music collage on a jazz basis. Improvisation, composition, communication and numerous ethnic sounds intersect significantly throughout the band's existence without any barriers that would limit the musicians' expression. The band is not interested in trends, they go their own way with a clear and distinct opinion. Their main inspiration in jazz history is the legendary band Art Ensemble Of Chicago. Their second CD Kalimbo (Amplion Records 2007) was nominated by the Academy of Popular Music (Angel) for the album of the year 2008 in the Jazz and Blues category. In 2014, the band celebrated 10 years of existence. The documentary LIMBO 2004–2014 was shot for this anniversary. The group's leader, saxophonist Pavel Hrubý, was nominated for the prestigious Anděl 2015 award in the Jazz Blues category for his solo album Between The Lines (Amplion Records 2014). Double bassist Taras Vološčuk is an occasional teammate of the world-famous American pop singer Suzanne Vega when she performs in Central Europe.

Concert of the Budapest Sound Collective with Péter Nádas

What can the audience expect when the thundering Botticelli Baby train arrives? A mood that borders on ecstasy. Buckets of sweat. A soul-shattering meditation of sound. The music is bold and honest, pure and high quality—and it’s loud. It rumbles and moves forward like an avalanche. It’s something to enjoy, to experience, and to get carried away by. Sitting is possible, but it ain’t easy. The band veers, wobbles, and plows forward, and you’ll eventually need air, but they’ll keep on going. The seven distinct members give everything they have to their instruments, and they never, ever let up. They laugh, move, and play as a howling and thundering unit, and the audience is always invited to join their party. Botticelli Baby moves! Saft by Botticelli Baby

"My music is a reflection of my dreams. I try to render into music the visions of immense light and of an incredible magnificence of colours that I see in all my dreams, a play of light and colours floating through the room and at the same time forming a fluid sound sculpture. Its beauty is very abstract and remote, but it is for these very qualities that it addresses the emotions and can communicate joy and warmth." — Unsuk Chin, 2003Unsuk Chin was born in 1961 and has lived in Germany since 1985. She studied with Sukhi Kang in Seoul and with György Ligeti in Hamburg. Her music has attracted the attention of international conductors including Simon Rattle, Esa-Pekka Salonen, Kent Nagano, Gustavo Dudamel, Alan Gilbert, George Benjamin and Péter Eötvös. This is the first time that she is coming to teach young composers and conductors in Hungary. During the public meeting she will enlighten her composing method and inspirations, we can look behind the scenes of one of the most performed composers at our time. Program of the mini-concert: Unsuk Chin: Piano Etudes - 4. Scalen 5. Toccata 6. Grains Featuring:László Borbély - pianoHost: Gergely Fazekas, music historian Language of the talks: English.Supporter:Korean Cultural Center, National Cultural Fund of Hungarywww.eotvosmusicfoundation.org www.facebook.com/petereotvosfoundation

Bruno Lapin plays an open music that praises the present moment and an often forgotten social poetry. The trio assume that space is a condition of clarity of discourse and that hustle and bustle only makes sense to underpin the long term and common purpose. Thus, the outline of the arrangement liberates improvisation, and the volubility of the line only intervenes to carry the melodic construction.The impromptu interferes everywhere in the music of the trio and if its character is introspective, it is also collective and not reclusive. Thought of as an ode to “possibles”, Bruno Lapin is a poetic allegory which mocks visions of futures that have already been consumed. Bruno Lapin is the almost inexorable meeting of three free electrons who lay claim to improvised music, urban electronic music, contemporary music or even pop. True unclassifiable musicians who claim to be such. Although these three instrumentalists have known each other for a long time and have crossed paths in different contexts, the trio is formed through fortuitous and very improvised encounters. The form of these encounters is open, but the resulting sound can be contemporary as well as pop, acoustic, or even electric. What matters is that the interaction is fluid and the intentions are clear. This is where the inquiry comes in: how to keep the freedom and spontaneity of these impromptus, while managing to draw a real framework for the listener? How to make the listener perceive the richness and naturalness of their approach instead of complexity? These questions are at the heart of the trio's artistic reflection, making it a modern social allegory, and this is exactly what Bruno Lapin offers.

The music of JMO – Jan Galega Brönnimann (Switzerland), Moussa Cissokho (Senegal) and Omri Hason (Israel) is a reminiscence of the art of storytelling. The trio creates a tension of traditional and modern music from Africa, Europe and the Middle East. The sparkling sound of the kora (African harp with 26 strings) meets the warm tone of the bass clarinet and the oriental percussion instruments. The title of their second release, Tandoula Tala means “no borders” in Mandinka, a language spoken in Gambia, Mali and Senegal. The songs are written by the three musicians and reflect their different backgrounds. At their unforgettable live concerts, the three musicians oscillate between magically transfigured moments and rhythmically explosive heights. Listening to the music of JMO is a real adventure, thanks to the merging of different musical traditions, the band’s unique line-up and the wealth of ingenious melodies and rhythms. Jan Galega Brönnimann works as a freelance musician (saxophones, bass, contrabass and contralto clarinet, and electronics) and composer. He has been active in the scene for years and is known for his innovative and cutting edge collaborations. As a composer and instrumentalist, he has worked with Nils Petter Molvaer, Sidsel Endresen, Pierre Favre, Saadet Türköz, Eddie Floyd, Eivind Aarset, Round Table Knights Baba Salah, Aly Keïta and Kenny Werner. Touring all over the world, he is best known as a frontman with his own band, Brink Man Ship, and his collaboration with the world beat trio A.Spell. Prince Moussa Cissokho from Senegal is an exceptionally talented and skillful kora player, singer and composer. Born and raised in a famous traditional griot family, he had been taught by his father from a very early age, traveling to assist in traditional ceremonies in Senegal. By the age of 13, he was chosen for the National Ballet of Senegal. He toured all over Europe, Asia, America and Africa. Moussa Cissokho now lives in Austria and works with different musicians in Africa and Europe. Omri Hason was born and raised in Israel. He started drumming at the age of ten, starting on the drum kit, and later gravitating to hand-drums: the zarb, the darbuka, and the frame drum. The rich multi-cultural environment of his background nourished his first musical passions. Later, the rhythmic language of India deeply influenced his playing, as did years of study with the Iranian master drummer, Djamchid Chemirani. He has lived since 1986 in Switzerland, teaching music, and recording and performing with various jazz and world music aggregations. Omri founded the groups Kedem Ensemble and Modus Quartet which feature musicians from several different musical cultures.

15 esztendeje nincs köztünk Pertis Jenő. De mi ebben a másfél évtizedben sem nélkülöztük őt, hiszen nemcsak rendszeresen jelen volt a koncertek műsorában, hanem jó néhány művének ősbemutatóját is posthumus kaptuk meg. Csöndes ember létére, ha megszólalt, annak veleje volt, sőt, mély humora is. „Kilóra” az életműve sem súlyos, tartalmában annál inkább. Még ebben is képes volt a humorra – ritka erény –, és gyakorta csillant meg mint lírikus. Kísérletező évtizedek után – úgy szokás mondani – letisztult. Értékeset írt az előbbi nemben is, lélekre hatót az utóbbiban. Vokális kompozíciói mögött – noha nem volt színpadi szerző – dráma húzódott meg, ami katarzishoz juttatja a közönséget. A ma este is ilyen élményt tartogat. Pertis Jenőnek még sokszor tizenöt éve lesz fülünkben és szívünkben.Hollós Máté Malina János:Pertis Jenőre emlékeztek – családi körben2019. 09. 29. Fidelio / Parlando

The D.A.S. Trio began its work in 2014. The team of young virtuosos aims to combine exciting musical elements and express their feelings in a very special musical language. They basically play jazz-fusion music, but their sound is influenced by the individual musical tastes of each member. The name of the band was formed from the initials of the names of the members. From the beginning, they have competed in a number of music competitions and achieved outstanding results. Despite their young age, they were able to work with such famous performers as János Nagy, Vincent Mascart, Luca Kézdy, Edina Szirtes "Mókus", Péter Lukács "Peta" and Mike Gotthard. In 2015, with the support of the Tamás Cseh Program, they made their first album, which was presented at several festivals in the country (Valley of Arts, Debrecen Jazz and Wine Festival, Szeged Wine Festival, Balatonboglár Jazz Festival, Váci Vigalom, Hungarian Music Expo, MÜPA Jazz Showcase). Since 2017, Ádám has been the bass player of the band, and the songs are mainly composed by Ábel. They give regular concerts in Budapest and abroad (Romania, Serbia, Austria, Czech Republic).   D.A.S. Trio · D.A.S. Trio

Unsuk Chin was born in Seoul, South Korea. She studied with Sukhi Kang and György Ligeti and has lived in Berlin since 1988. Her music has attracted the attention of international conductors including Simon Rattle, Gustavo Dudamel, Alan Gilbert, Kent Nagano, Peter Eötvös and George Benjamin among others. It is modern in language, but lyrical and non-doctrinaire in communicative power. Chin has received many honours, including the 2004 Grawemeyer Award for Music Composition for her Violin Concerto, as well as the 2021 Leonie Sonning Music Prize. Her pieces Double Concerto and Fantaisie mécanique will be performed for the first in Budapest by the orchestra partner of the foundation Danubia Orchestra Óbuda. Unsuk Chin describes her music like this: I’ve tried to write a music of highly coloured bearing and expression, free-flowing and agile, unfolding sometimes in completely unexpected directions. This concert tries to give the essence of a masterclass with a world premiere by mentee composer Jongsung OH and a great classical piece by Ravel. Young conductors can shaw their strengths and what they have learnt during the workshop from their professors Peter Eötvös, Gregory Vajda and Unsuk Chin.

Over the past decade, Júlia Karosi has toured the stages of Hungary and abroad with her individual performances. She came to the jazz genre from classical music, which has left its mark not only in her top-class vocal technique and expressive tones, but also in her chosen musical world and repertoire. In 2022, she will bring her unique style and sound to the songs of another Broadway composer: after George Gershwin and Cole Porter, she will now be performing the songs of Stephen Sondheim. Stephen Sondheim's songs will be familiar to many listeners from films and Broadway musicals alike. Sondheim is one of those composers who became legends in their own lifetime. His songs carry simple yet poignant truths and emotions, which, combined with the singer's refined voice and musical world, immediately captivate the listener.

Modern Art Orchestra’s Legendary Albums series presents the most important and unique albums of jazz literature, performed by MAO. By learning and playing these compositions and arrangements, the musicians are paying tribute to the jazz legends and are undergoing an intense process of musical improvement. The band absorbs the material of the original recordings, sticking to the arrangements, forms and compositional features. As improvisation is the blood of jazz, solos are invented by the players at the moment. Due to the respect shown towards the original conceptions of the legendary composers and the level of craftsmanship known from Modern Art Orchestra, the Legendary Albums series both brings you the essence of jazz tradition and guarantees a fresh musical experience. Pat Metheny: Bright Size Life Pat Metheny is undoubtedly one of the greatest jazz guitarists. He has played with all the legendary jazz icons while becoming one himself. His debut album Bright Size Life is presented by Modern Art Orchestra musicians in this special concert. The album was released in 1976 at Manfred Eicher’s ECM label. Besides its extremely high quality standards, this record company is also famous for its apolitical view regarding styles of music. Originally recorded with Jaco Pastorius, Bob Moses and group leader Metheny, Bright Size Life is a suitable musical challenge for the MAO chamber group. Despite the scarcity of this setup, there is nothing but richness in the sound of the original recording. The guitar-bassguitar-drums trio is by far not the easiest composition of instruments. However, its challenges make it interesting and provide extra space for the musicians. It is harder to distinguish solstice and accompaniment roles in this context which allows for an organic, ever-evolving musical texture. Bright Size Life is the first, but straight out classic Metheny album which codifies the essence of a beautiful, curious and lyrical musical soul. His sound cannot be mistaken for anyone else’s, neither can be the style of composition that runs through the album.

Ádám Bögöthy – one of the most sought-after jazz bassists in Hungary – has created a musical workshop in his latest formation. The band plays compositions and arrangements written by the members. The music of the line-up is appealing to ears new to jazz as well as to audience members who prefer a modern mainstream sound. Ádám is joined by Szabolcs Oláh on guitar, Dániel Mester on saxophone and Bendegúz Varga on drums: a select group of musicians who have all won numerous awards and prizes, and may be familiar to the audience from several excellent bands or collaborations.

Awarded the Enderrock Prize to the Best Jazz Album of 2018 with Orígens, trumpetist Alba Careta presents her second production: Alades. After completing the Jazz Trumpet Master at Conservatorium van Amsterdam, the leader of Alba Careta Group is back with her energetic, groundbreaking and heartwarming project, accompanied by the most renowned musicians from the Catalan jazz scene. Alades is an assorted blend of the last compositions of the trumpetist from Avinyó, which are inspired by the experience she had during her years in the Netherlands. As a result, Alades is a vivid representation of all those moments, shaped by the language of the most honest, organic and emotional jazz. Alba Careta had a long trajectory through venues and festivals like: Jazzaldia, Mercat de Musica Viva de Vic, Festival de Jazz del Palacio Real (Madrid), Bimhuis (Amsterdam), Summertime Festival (The Hague), JazzMadrid 21, Festival de Jazz d'Eivïssa, Jamboree Jazz Club (Barcelona), La Bóveda (Zaragoza), La Nova Jazz Cava (Terrassa), Festival de Jazz del Soberao (Sevilla), Nits d’estiu a la Pedrera (Barcelona), Teatre Kursaal (Manresa), Sunset Jazz Club (Girona), among others, and also she was also on the program AIE en Ruta de Jazz where she was presenting Alades in Madrid, Lugo, Avilés, Ibiza, Cuenca, and other cities.

Rebeka Nagy-Babos is a Transylvanian-born singer. She began her studies in the field of graphics, but years ago, as a result of his experiences at the Jazz and Improvisation Music Camp in Sepsiszentgyörgy, she decided to leave his profession to enter the field of music and turn to jazz. Thinking further their duo with jazz guitarist Péter Cseh, she founded his band at the end of 2019, supplemented by Márk Miskolczi (double bass) and Ádám Klausz (drums), in which he also uses her inspirations from jazz, folk and electronic music. In 2020, the quartet won the best band award voted by the international jury of the Müpa Jazz Showcase. Their programme features popular song covers that are colored with improvisation and other own ideas to create an intimate atmosphere. facebook.com/nagybabosrebekaquartet

A Sonus Cordis Bázist (egészséges szívhang) Krulik Eszter és Lachegyi Róza alapították 2019-ben. Hitvallásuk alapján olyan szabadúszó művészek csatlakoztak a Sonus Cordishoz, akiktől nem áll távol a kortárs zene, az improvizáció, de a régi zenélés sem. Az alapvetően vonósnégyesként létező, de a kibővülésre is nyitott együttes a koncertezés mellett kamarazenei, vonószenekari és improvizációs kurzusokat szervez a fiatalabb korosztály számára. 2022. augusztusában másodszor rendezték meg a SONUS CORDIS NAPOKAT a Tolna megyei Szent András Kastélyban, ahol öt napon keresztül a kamarazene és az improvizáció volt a fókuszban. A Sonus Cordis újítása, hogy nem klasszikus értelemben vett tanórákat ad a diákoknak, hanem a művészek a diákokkal vegyes kamaracsoportok kialakításával inspirál. A Sonus Cordis Kvartett 2021 áprilisában a Zeneakadémia Nagytermében mutatkozott be a "Studio 5" zeneszerzőinek új vonósnégyeseivel, 2021. májusában és júniusában a Zeneakadémia Zeneszerzés tanszakának új vonósnégyeseit mutatták be a Solti Teremben. Szintén 2021-ben a Sonus Cordis Kvartett elnyerte a Filharmónia Végh Sándor Vonósnégyes Ösztöndíját, aminek keretén belül egy éven keresztül országszerte koncerteztek. Az ő nevükhöz fűződik a világhírű brit zeneszerző, Thomas Adés "The four quarters" című vonósnégyesének magyarországi bemutatója. A Sonus Cordis Historique 2022 augusztusában mutatkozott be korhű hangszereken a Börzsöny Barokk régizenei fesztiválon. A 2022/23-as évadukban négy ikonikus - huszadik századon innen és túl is alkotó - magyar szerző műveit népszerűsítik: Lajtha László, Járdányi Pál, Ligeti György és Kondor Ádám vonósnégyeseit hallhatjuk tolmácsolásukban.

Active as a pianist, singer and composer, Damján Ocsovay is currently a member of MÖRK and several other Hungarian bands. In his trio, founded in 2021, his two bandmates Tamás Heilig (Punnany Massif) and Levente Boros (Amoeba) are sought-after participants of the Hungarian underground and hip-hop scene. Their repertoire consists mainly of their own compositions and covers. Their unique musical style draws from various trends and genres. Jazz harmonies serve as the keystone, interspersed with hip-hop, funk, indie, sometimes surprising elements and interesting musical twists, all set to energetic grooves. For them, the experience of making music is fulfilled by the energy of playing together.

Kevés zeneműve létezik a nyugati művészi zene történetének, amelyet nagyobb dicsfény és több mítosz övezne, mint Johann Sebastian Bach kései gyűjteménye, A fúga művészete. Vajon ez volt az utolsó műve minden idők legnagyobb ellentpontművészének? Miért nem fejezte be az utolsó fúgát? Miért éppen ott szakad meg a kézirat, ahol a B-A-C-H zenei motívum felbukkan? Egyáltalán: miért írt valaki az 1740-es években fúgagyűjteményt, miközben az uralkodó zenei stílus az egyszerű dallamokkal és még egyszerűbb kíséretekkel operáló darabokat részesítette előnyben? Fazekas Gergely zenetörténész háromrészes előadássorozata ezekre a kérdésekre is megpróbál választ adni: tárgyalni fogja a korabeli zenetörténeti kontextust, a fúga műfajáról szóló elméleti vitákat, a gyűjtemény bonyolult keletkezéstörténetét és persze bemutatja magát a zenét is. Hogy mi köze ennek a 18. század közepén született, elvont fúgagyűjteménynek a 21. századhoz? Ez is ki fog derülni az előadássorozatból, amelynek zárásaként, december 13-án este 7 órától Borbély László előadásában a teljes darab megszólal a BMC Koncerttermében. 1. Idejétmúlt erőfeszítésekKi volt Bach? Mi a fúga? Mi a művészet? Fazekas Gergely zenetörténész ezt a három egyszerű kérdést fogja körüljárni Johann Sebastian Bach A fúga művészete című gyűjteményéről szóló, háromrészes előadássorozatának első alkalmával. Bemutatja, hogy milyen viszonyt ápolt Bach az elvont ellenpontművészettel (spoiler: szorosat), hogy mit jelentett számára és kortársai számára a „fúga”, illetve hogy mire vonatkozott a 18. század elején a zene közegében a „művészet” kifejezés? Szóba kerül az is, hogy mennyire számított anakronisztikusnak az 1740-es években, a gáláns stílus virágba borulásának idején bonyolult fúgák megírásával bíbelődni (spoiler: nagyon), s hogy miért volt ez annyira fontos az idős Bach számára. További előadások:2022. november 14. 18:00Bach és A fúga művészete 2. – A ciklusépítés mestersége2022. december 5. 18:00Bach és A fúga művészete 3. – A zenei tökéletesség A teljesség igénye – interjú Fazekas Gergellyel

An internationally recognized crossover jazz pianist, Norbert Káel studied at the Berklee School in Boston, and it was there he developed his distinctive style, which is based on an organic fusion of classical music and jazz. His trio has performed in Denmark, Egypt and Germany, and they can be regularly heard in Hungarian concert halls and at music festivals. Featuring world-famous soprano Erika Miklósa at the Liszt Fest, the Jazzical Trio presents a captivating programme of songs, spanning a wide range of styles, tones and poetry, from Romanticism through arrangements of folk music to chamber compositions.

In this unusual trio without a drummer, the role of different instruments is in a constant change during performances. After their successful album, The Present, the band released Have No Fear in 2020. Like the previous album, it is characterized by a delicately woven spirit and the duality of meditation and volcanic outbursts."Viktor Tóth has released an album with the Arura Trio that reflects on COVID. I do not want to exaggerate, but Have no Fear is one of the best – and not just Hungarian – jazz recordings of the 2000s, although it does not aim at all with the typical soundtrack of the past 20 years, but with a much older one. Or I do not even know: the temporality of matter is elusive, partly because of choosing such idols as spiritual summoners whose truth is still valid today. And that is what an absolutely modern guy does, who is over forty and slowly starts to belong to the middle generation of Hungarian jazz, but who can translate eternal value for today's people."

Gábor Gadó's music is borderland in every sense. Balancing on the border between contemporary music and jazz, his compositions seem as if he invented them in the moment, and his improvisations feel composed. In his compositions, which switch over into free playing, there is a pure and sublime beauty inspired by the classical music tradition, as well as a visceral, vibrant power of spontaneity. His meandering melodies are set in a multidimensional space by mysterious and intricate harmonies, interpreted in terms of modality and tonality. His pieces can come to life in any instrumentation, from solo to symphony orchestra; this evening they take on sonic form as a trio, also evoking the musical world of Gadó’s legendary recordings with Gábor Winand. Gadó has been working with Belgian trumpeter Laurent Blondiau for almost two decades, and the duo released their 2018 album Veil and Quintessence on BMC Records. When Blondiau suggested that he would like to work with the young Belgian singer Sarah Klenes, Gadó came up with twenty previously unheard compositions that had never been performed in concert, and Blondiau was unaware of their existence. The trio premiered the newly unfolded repertoire in Belgium in June, and now it’s time for the Budapest audience to hear it.

From duo to quintet, Vincent Peirani has played in the most diverse forms of musical collaboration. The trio format he brings to Budapest is nonetheless new territory for him. In this band, which he formed with Italian guitarist Federico Casagrande and New York-based Israeli drummer Ziv Ravitz, any of the musicians can take over the role of another member. It is a game in which only jokers have been dealt, and they complement, rather than overwrite, each other. Everything goes, every part is the main role, while they all head in the same direction at any given point. Peirani referred to murmuration, the synchronized movement of a flock of birds, to describe how it feels to play in the trio: there is a sense of a central will that governs the movement of all participants. None of them is a leader, but all of them are perfectly in sync, creating a coordinated whole together.

Two great musicians who call themselves “citizens of jazz-land” have stepped out into a unified world without borders. They brought with them an incomparable wealth of improvisation, of technical knowledge, of the creation of rhythmic and melodic fantasies, as well as every shade of tone and dynamics and also an excellent ability in creating a balance between musical liberty and constraint. They have absorbed unusual metres, enchanting, entrancing, dancing and painful, joyful and plaintive melody patterns from Southern and South Eastern Europe, Asia Minor and other areas, unexpected and even surprising throbbing rhythms and grafted all of these on to their own music. They have fulfilled the moral duty of every musical artist by cheering up or saddening the listeners, causing them to contemplate, placing them into a gentle state of ecstasy. And in addition – what few manage to do – they have given a cathartic experience to the music lover listening to their “SOUNDS”. Emil Petrovics Photo: Zsolt Hamarits

Two young up-and-coming French bands from the AJC's Jazz Migration programme will perform on the stage of Opus, for the sixth time in the club's history. Charley Rose may be described as a wonderful timbre on the alto saxophone and an inspiration drawn from expressionist art. With pianist Enzo Carniel and drummer Ariel Tessier – highly active musicians and well-known tandem within House of Echo – they gathered, without double bass, for a contemporary jazz trio with a captivating creativity. Influenced by composers of the 20th century, Charley’s compositions reveal a program which is at the same time virtuoso and mischievous, savant and acrobatic, poetic and refreshing. At times these three imagine that during a waltz, Thelonious Monk might run into Sergei Prokofiev, other times they let us dream with their version of a David Lynch song. Suzanne is a humming voice whispering ageless memories. Sometimes instrumental, sometimes chanted, sometimes teared apart. It is a child mumbling melodies, a forebear passing down its memories, those musicians writing, playing, singing everything they had the chance to hear. Suzanne is that voice gathering Maëlle Desbrosses, Hélène Duret and Pierre Tereygeol, creating folksongs of a new century. Suzanne is a complex harmonic work meeting traditional rhythms, a demanding musical writing and common improvised language always stretching its limits. Those voices, coming out and vanishing bring the trio to endless possibilities.

This is the first time that Pont Quartet is performing in this line-up, although the core of the quartet, formed by István Grencsó and Barnabás Dukay, has played together with István Kovács Tickmayer and Aurél Holló in different line-ups, and some of these occasions have been recorded on memorable albums. The orchestra is made up of four autonomous composers who are masters of their instruments. Their meeting promises to be a unique experience, where contemporary music and avant-garde jazz interact. Whatever line-up they have played with, perhaps their most distinctive feature is that they have never used sheet music. They create a spiritual space through deep attunement and collective free improvisation, in which they create nothing less than a spell, a magic, the reclaiming of time. Zsolt Németh

In the season of 2022/23, Modern Art Orchestra presents excellent Hungarian composers to the audience of Opus Jazz Club. In their series of six concerts, they invite composers who experiment with orchestral sound and look for new ways of expression. They will also be the soloists of the concerts, presenting their new works. The artistic director, Kornél Fekete-Kovács and all the musicians in the outstanding MAO treat music with an attitude that transcends borders of genres. Musical creativity and free expression of musical thought takes the centre in their playing and compositions. During this season, they work with autonomous creative minds of modern Hungarian music, whose way of thinking falls close to theirs.

Founded 37 years ago and led by composer and lyricist Zoltán Krulik, the legendary Makám band has been a key player in the Hungarian world music scene for decades. They started playing world music at a time when the term was just being born. They wrote modern music with knowledge of and respect for tradition, songs that are still sung by generations. Their work is marked by two dozen albums; their 2019 release, Budapest Night Speaks, was a tribute to Endre Ady, whose poetry turned Zoltán Krulik's attention to new genres. In the repertoire of the KruBaVi Trio, well-known and less famous poems by Endre Ady, Zoltán Somlyó's poems from the beginning of the last century and Krulik's own lyrics – disguised as Robinzon Kruzo – assume the sound of the chanson. This concert will give the audience a glimpse into the workshop of Krulik and his fellow musicians from several angles: the first half of the evening will feature a selection of songs by the KruBaVi Trio, while the second half will be devoted to Makám's evergreen songs.

Ben LaMar Gay’s musical loves range far and wide. Steeped in the blues of his hometown of Chicago and an integral figure in his local jazz community, the cornetist and composer embraces a wide range of music, sounding it all through his horn across his vibrant, mercurial songs. His latest album, Open Arms to Open Us leaps across all sorts of portals, dipping into the dawn of jazz right on through its vibrant present moment, with glints of woozy hip-hop, Prince-ly funk, wordless ululations, Tropicália and gospel yips thrown in for good measure. Open Arms to Open Us sounds simultaneously like everything and nothing, bringing to mind Bitches Brew, hip-hop, New York experimental math rockers Battles, Kid A, raga, samba, free jazz, D’Angelo, and the chipmunk-ed vocals employed by rave producers. But in its conglomerate totality, the album is too multifarious to bear more than a passing resemblance to any of the above. It’s a remarkable piece of musical pathfinding, sprawling in its ambition and surprisingly precise in its attack, an album where a zither jam (“Nyuzura,” featuring British-Rwandan singer Dorothée Munyaneza) gives way to triangle-assisted drone (“Slightly Before the Dawn”), which then cedes the floor to hip-hop tuba bounce (“Dress Me in New Love”). LaMar Gay’s vision of musical “Pan-Americana”—reaching beyond the sawdust and spit image of classical Americana to include North and South American culture—binds the project together. In addition to rich baritone vocals, organ, balafon, cornet, zither, and a host of percussion instruments, LaMar Gay also contributes some fantastically sharp songwriting on Open Arms, such as the gorgeously gloomy, minor-key dread of “Oh Great Be the Lake” and the grandiloquent “Aunt Lola and the Quail,” a wealth of ideas never coming at the expense of brevity.

A mai globalizált világban több szakmában is mindennapos dolog az utazás. A zenészek életében egyértelműen a mindennapok szerves részét képezi – sőt, így volt ez már a barokk korban is.Johann Sebastian Bach kortársaihoz képest (ha pl. Georg Friedrich Händelhez hasonlítjuk) viszonylag keveset utazott, sőt, élete egészében nem járt német nyelvterületen kívül. Mégis, csillapíthatatlan tudásvágyának köszönhetően mesterien sajátította el az akkori Európában uralkodó olasz és francia zenei stílus legfontosabb elemeit. A kor gyakorlatához híven úgy tanult, hogy kottákat másolt – például Antonio Vivaldi darabjait, amelyekből billentyűs átiratokat készített. Ezzel az emulációs folyamattal bővítette lehengerlő kompozíciós eszköztárát és sajátította el az olasz zenei nyelvet anélkül, hogy valaha betette volna a lábát az akkori Itáliába. A koncerten Bach művei mellett az olasz barokk megkerülhetetlen szerzői, Antonio Vivaldi és Arcangelo Corelli darabjai is megszólalnak. Cecilia Bernardini, Baranyay Piroska és Fábri Flóra hármasa egyébként maga is vérbeli európai formáció: Cecilia Hollandiából, Flóra Németországból érkezik ebből az alkalomból Budapestre – és csatlakozik a szintén Európa-szerte otthonosan mozgó Baranyay Piroskához, hogy a BMC közönségének együtt bemutassák ezt a szívüknek kedves műsort.

Az őszi háromrészes Szól a Pálca koncertsorozat témája A szépség forradalma lesz. A sorozat házigazdája, Hámori Máté, zenekarunk karmestere és művészeti vezetője segítségével emelkedünk filozofikus magasságokba. „[...] Egyetlen ismeret van, a többi csak toldás: Alattad a föld, fölötted az ég, benned a létra. Az igazság nem mondatokban rejlik, hanem a torzítatlan létezésben. Az öröklét nem az időben rejlik, hanem az összhang állapotában.” (Weöres Sándor: Szembe fordított tükrök) Majd azt mondta Isten: „Hajtson a föld füvet, amely zöldül és magot hoz, és gyümölcstermő fát, amely a földön faja szerint meghozza gyümölcsét, a belsejében maggal!” Úgy is lett. A föld füvet hajtott, amely zöldül, és faja szerint magot hoz és fát, amely faja szerint gyümölcsöt hoz, a belsejében maggal. És látta Isten, hogy jó. A szépség első forrása: a Föld, ahol élünk. Ennek a dicséretét zengi Beethoven, Beethoven dicséretét zengi Balogh Máté – s lesz mulatozás, lesz vihar, majd kisüt a nap, és feljön a szivárvány.

Saxophone player Linda Fredriksson stands out amongst the Finnish jazz artists, both locally and internationally. Best known as a fierce improviser in Mopo trio, Ricky-Tick Big Band and Superposition, Fredriksson has a versatile and unique style ranging across genres making them one of the most interesting musicians of the scene. With their solo project “Juniper”, Fredriksson steps forth as a composer and a leader unveiling the music of their “shy and quiet” side. The end result is an honest, personal singer-songwriter album, performed by an instrumental jazz band. Fredriksson has been working on the songs heard on the album for several years, composing them mostly on guitar, keys and by singing. Juniper is a world unto itself, and Fredriksson describes the process as one of chosen isolation: “It’s a world of my own and a place of solitude amid all the chaos. A comfy bubble to be in.” The influence list for the album name checks the likes of Sufjan Stevens, Alice Coltrane, Feist, Eric Dolphy, Neil Young, Iro Haarla and Billie Eilish. Linda Fredriksson Juniper shared their debut album on 29 Oct 2021 on the Helsinki-based label We Jazz Records. This time Fredriksson, known for virtuosic alto and baritone saxophone playing, also lists bass clarinet, guitar, drum programming, synths and ambience recordings as their instrumentation. Two of these origin from Linda’s neighbors carrying a particular weight in the album making: an old acoustic guitar – full of holes and hit by a car – from Onni from downstairs and a Rhythmic8 synth from Laura next door. After the slow and private working stage, the songs were taken to the full band, but what's on the record often stays true to the minimal nature of the early demos. Linda credits their co-producer Minna Koivisto as a key ally in the process of maintaining the demo sessions' fragile beauty on the actual finished record. “Many times, I chose to play less even though I could hear ‘a bogeyman’ in my mind telling me to play more and faster”, Fredriksson describes. The album has been made in two different studios, three homes, two summer cottages and four working spaces. It was recorded with professional studio equipment but also with an iPhone and on a basic built-in laptop speaker. With that, Juniper stands as a very personal high level musical diary of a creative jazz musician and composer during the early 2020’s. Juniper by Linda Fredriksson

A Bélamese voltaképpen egy újraértelmezett, a Cantata profana szövegéből kiinduló posztapokaliptikus, szerelmi csodaszarvas-történet, ennek szöveges részeit olvassa majd fel az előadáson Hámori Máté karmester. A történet keretei közé ágyazva pedig megelevenednek Bartók művei a Concertótól kezdve A csodálatos mandarinon át a Táncszvitig.

A Sonus Cordis Bázist (egészséges szívhang) Krulik Eszter és Lachegyi Róza alapították 2019-ben. Hitvallásuk alapján olyan szabadúszó művészek csatlakoztak a Sonus Cordishoz, akiktől nem áll távol a kortárs zene, az improvizáció, de a régi zenélés sem. Az alapvetően vonósnégyesként létező, de a kibővülésre is nyitott együttes a koncertezés mellett kamarazenei, vonószenekari és improvizációs kurzusokat szervez a fiatalabb korosztály számára. 2022. augusztusában másodszor rendezték meg a SONUS CORDIS NAPOKAT a Tolna megyei Szent András Kastélyban, ahol öt napon keresztül a kamarazene és az improvizáció volt a fókuszban. A Sonus Cordis újítása, hogy nem klasszikus értelemben vett tanórákat ad a diákoknak, hanem a művészek a diákokkal vegyes kamaracsoportok kialakításával inspirál. A Sonus Cordis Kvartett 2021 áprilisában a Zeneakadémia Nagytermében mutatkozott be a "Studio 5" zeneszerzőinek új vonósnégyeseivel, 2021. májusában és júniusában a Zeneakadémia Zeneszerzés tanszakának új vonósnégyeseit mutatták be a Solti Teremben. Szintén 2021-ben a Sonus Cordis Kvartett elnyerte a Filharmónia Végh Sándor Vonósnégyes Ösztöndíját, aminek keretén belül egy éven keresztül országszerte koncerteztek. Az ő nevükhöz fűződik a világhírű brit zeneszerző, Thomas Adés "The four quarters" című vonósnégyesének magyarországi bemutatója. A Sonus Cordis Historique 2022 augusztusában mutatkozott be korhű hangszereken a Börzsöny Barokk régizenei fesztiválon.A 2022/23-as évadukban négy ikonikus - huszadik századon innen és túl is alkotó - magyar szerző műveit népszerűsítik: Lajtha László, Járdányi Pál, Ligeti György és Kondor Ádám vonósnégyeseit hallhatjuk tolmácsolásukban. Novemberi estjükön az Eberhardt Wüllner álnéven is alkotó Kondor Ádám zeneszerző műveit népszerűsítik, ezúttal Károlyi Katalin mezzoszopránnal és Schlanger Tamás ütőhangszeres művésszel kiegészülve.

Az őszi háromrészes Szól a Pálca koncertsorozat témája A szépség forradalma lesz. A sorozat házigazdája, Hámori Máté, zenekarunk karmestere és művészeti vezetője segítségével emelkedünk filozofikus magasságokba. „[...] Egyetlen ismeret van, a többi csak toldás: Alattad a föld, fölötted az ég, benned a létra. Az igazság nem mondatokban rejlik, hanem a torzítatlan létezésben. Az öröklét nem az időben rejlik, hanem az összhang állapotában.” (Weöres Sándor: Szembe fordított tükrök) Majd azt mondta Isten: „Hajtson a föld füvet, amely zöldül és magot hoz, és gyümölcstermő fát, amely a földön faja szerint meghozza gyümölcsét, a belsejében maggal!” Úgy is lett. A föld füvet hajtott, amely zöldül, és faja szerint magot hoz és fát, amely faja szerint gyümölcsöt hoz, a belsejében maggal. És látta Isten, hogy jó. A szépség első forrása: a Föld, ahol élünk. Ennek a dicséretét zengi Beethoven, Beethoven dicséretét zengi Balogh Máté – s lesz mulatozás, lesz vihar, majd kisüt a nap, és feljön a szivárvány.

Formed from the younger generation of Finnish musicians, the Katu Kaiku trio is truly at home on the fringes of genres, combining modern jazz with handpicked elements of progressive rock and pop. Dreamy, haunting melodies, sophisticated dynamic nuances and elaborate drum parts create a meditative but not introspective soundscape. This is thought-provoking music by confident and experimenting musicians, offering true remedy for the strained mind. Katu Kaiku has been adventuring in the infinite universe of sounds since 2013. Its members have all been active on the Finnish and international jazz scene, in bands such as Olavi Louhivuori Superposition!, VIRTA and OK:KO. Their widely acclaimed second album, Luna (2019, Svart Records), has moved away from the trio's acoustic-avant-garde roots to take its rightful place among the brightest stars of crossover jazz. The catchy melodies and captivating grooves of this musical space voyage irresistibly carry the listener across the boundaries between pop, electroacoustic contemporary music and minimal music. Katu Kaiku's third album, Broken Piece, will be released on the Finnish label Eclipse on 4 November 2022, and the audience of Opus will be the first to hear its music performed live.  

Játék?! Öröm?! Rend!? …avagy az élményszerű, éneklésre, játékra és mozgásra épülő hangszeroktatás lehetőségei A zenetanárok, művésztanárok pedagógiai, oktatási, ismeretterjesztési és közösségnevelési feladatai teljesen új alapokra kerültek az elmúlt évtizedekben. A zenepedagógusok is sokkal összetettebb, szerteágazóbb és tudatosabb tevékenységet kénytelenek folytatni annak érdekében, hogy diákjaikban vagy akár a szűkebb környezetükben kialakítsák, felpezsdítsék a művészetek iránti természetes igényt, kihasználva mindeközben az „igényes zene”, a kultúra, a mozgás, a hangszerjáték és a testtudatosság személyiségfejlesztő és közösségépítő hatásait. 2022. november 7-én a Zeneterápiás klub vendége Dr. Romos Zsolt fuvolaművész-tanár (Liszt Ferenc Zeneművészeti Egyetem, Debreceni Egyetem, Zeneművészeti Kar) lesz, akinek művészi és pedagógiai pályán töltött 30 évéből, 15 évet a zeneoktatás három területén (alap-, közép- és felsőfok) párhuzamosan dolgozott. Nagy ajándéknak tekinti, hogy az első, olykor bizonytalanul megszólaló hangtól a sikeres diplomahangverseny záró akkordjáig követhette a fejlődés csodálatos folyamatát. Későbbi pályáján is legmeghatározóbb éveknek tekinti ezt az időszakot: néha sikerekkel, de sokszor nehéz akadályokkal teletűzdelve, melyek szinte járhatatlanok egy felkészült támogató segítsége nélkül. A Zeneterápiás Klubban rendszeresen visszatérő fókuszunk a zenepedagógia és a zeneterápia határterülete. Dr. Romos Zsolt segítségével újabb nézőpontokat végiggondolva meríthetünk a két szakterület eszköztárából, gondolkodásmódjából, a közös feladatokról, kihívásokról is. A Zeneterápiás szakmai klub zeneterapeuták, a zeneterapeutákkal együttműködő orvosok, egészségügyi, pedagógiai és szociális szakemberek, valamint a zeneterápia iránt érdeklődők és érintettek találkozóhelye. Az előadásra a szakembereken kívül szeretettel várjuk az érintett családtagokat, ismerősöket is. A program ingyenes és minden érdeklődő számára nyitott! Az előadásról videofelvétel készül!A Zeneterápiás Klub házigazdái: Ittzés Zsuzsa és Kovács Petra A Zeneterápiás Klub YouTube csatornája:

Modern Art Orchestra’s Legendary Albums series presents the most important and unique albums of jazz literature, performed by MAO. By learning and playing these compositions and arrangements, the musicians are paying tribute to the jazz legends and are undergoing an intense process of musical improvement. The band absorbs the material of the original recordings, sticking to the arrangements, forms and compositional features. As improvisation is the blood of jazz, solos are invented by the players at the moment. Due to the respect shown towards the original conceptions of the legendary composers and the level of craftsmanship known from Modern Art Orchestra, the Legendary Albums series both brings you the essence of jazz tradition and guarantees a fresh musical experience. Legendary Albums - Art Farmer/Benny Golson Sextet: Here and Now The Jazztet was founded in 1959 by Art Farmer trumpetist and Benny Golson saxophonist, also the only two members of the sextet who remained from the beginning to the end. Despite the changes in the rhythm section and trombonist positions, the band was able to launch the careers of jazz musicians like McCoy Tyner and Grachan Moncur III, of whom the latter is present on Here and Now as well, bringing an original composition with him. The 1962 album has but absolutely attractive numbers to show, which makes its lineup quite homogenous - in the best possible sense. Although there is only one truly famous song on the record, which goes by the name of Whisper Not - part of the soundtrack of United States history, without a doubt, all numbers feel familiar as they are written with tremendous taste and intellect. The fact that 4 out of 6 band members noted compositions on the record, makes it even more interesting. It is also the sensual and instinctive energy that tends to mediate through the best swinging songs of jazz history. The musical language of Here and Now suggests wisdom and elegance, but curiosity and playfulness, too. It doesn’t try to hide the meaning of the human experience, which makes it utterly comforting to listen to. Here and Now is one of the last publications of the first generation Farmer/Golson Sextet. It is a complete result of a genuinely earthy concept of jazz history.

A Budapesti Vonósok Kamarazenekar a 2022–2023-as évadban is folytatja a Klasszikusok tükrében című koncertsorozatot a BMC-ben. A hangversenyeken kortárs darabok, nemegyszer ősbemutatók hangzanak el – történeti kompozíciók társaságában. Az idei évadban mindhárom koncerten – két-két történeti mű mellett – egy kortárs magyar mestert és tanítványát (tanítványait) ismerheti meg a közönség. A sorozat mindhárom élő mesterét (Orbán Györgyöt, Csemiczky Miklóst és Vajda Jánost) az 1980-as években felfutó magyarországi poszt- és neostílusok, a magyar klasszikus zenei posztmodern jelentős alkotóinak tartják. Az esték visszatérő házigazdája Molnár Szabolcs zenetörténész, a kortárs klasszikus zene egyik specialistája, aki médiaszemélyiségként és tanárként is ismert. Az idei évad első kortárszenei koncertjén is megszólalnak klasszikus kompozíciók: a tizenéves Mozart által komponált háromtételes F-dúr divertimento (1772) után Farkas Ferenc Régi magyar táncok a 17. századból című sorozatát hallhatja a közönség. A régi stílusokat felidéző, újraalkotó táncok rengeteg átiratban és hangszerelésben élnek az előadói és a pedagógiai gyakorlatban, bár a legelső, öttételes változat zongorára készült 1943-ban. Ezen a hangversenyen egy kortárs mester és két tanítványa is bemutatkozik. A koncert végén ősbemutatóként hangzik el az erdélyi születésű Orbán György (*1947) Sopran canto ferma című darabja. Az este fiatal szerzői, Tiszai Péter (*1973) és Horváth Bálint (*1986) mindketten Orbán György tanítványai voltak.

Kevés zeneműve létezik a nyugati művészi zene történetének, amelyet nagyobb dicsfény és több mítosz övezne, mint Johann Sebastian Bach kései gyűjteménye, A fúga művészete. Vajon ez volt az utolsó műve minden idők legnagyobb ellentpontművészének? Miért nem fejezte be az utolsó fúgát? Miért éppen ott szakad meg a kézirat, ahol a B-A-C-H zenei motívum felbukkan? Egyáltalán: miért írt valaki az 1740-es években fúgagyűjteményt, miközben az uralkodó zenei stílus az egyszerű dallamokkal és még egyszerűbb kíséretekkel operáló darabokat részesítette előnyben? Fazekas Gergely zenetörténész háromrészes előadássorozata ezekre a kérdésekre is megpróbál választ adni: tárgyalni fogja a korabeli zenetörténeti kontextust, a fúga műfajáról szóló elméleti vitákat, a gyűjtemény bonyolult keletkezéstörténetét és persze bemutatja magát a zenét is. Hogy mi köze ennek a 18. század közepén született, elvont fúgagyűjteménynek a 21. századhoz? Ez is ki fog derülni az előadássorozatból, amelynek zárásaként, december 13-án este 7 órától Borbély László előadásában a teljes darab megszólal a BMC Koncerttermében. 2. A ciklusépítés mesterségeA Bach-életmű leglenyűgözőbb vonásainak egyike, hogy ha nagyítóval vizsgáljuk a zenéjét, vagyis a hangok egymáshoz fűződő viszonyát elemezzük, éppúgy a tökéletesség szele csapja meg az embert, mintha madártávlatból nézzük a teljes tételeket vagy éppen ciklusokat. Fazekas Gergely zenetörténész ezúttal A fúga művészete keletkezéstörténetéről fog beszélni. Szó lesz arról, hogy az 1740-es évek elején összeállított, 14 tételből álló, önmagában már így is tökéletesnek tűnő gyűjteményt élete végén miért vette elő Bach és miért alakította újra radikálisan, hogy az örökösök miként kavarták össze a szerzői koncepciót a poszthumusz kiadás előkészítése során, illetve olyan általánosabb kérdések is felmerülnek majd, hogy ciklusról vagy gyűjteményről van-e szó (s hogy ennek mi a jelentősége), illetve egyáltalán: hogy összefüggő zenemű-e A fúga művészete vagy valami más? A sorozat záró előadása:2022. december 5. 18:00Bach és A fúga művészete 3. – A zenei tökéletesség A teljesség igénye – interjú Fazekas Gergellyel

A Dohnányi Quartet koncertsorozatának új évadában három történet állomásai kerülnek egymás mellé. Mind a négy hangversenyen megszólal Bartók és Dvořák gazdag vonósnégyes-termésének egy-egy darabja, valamint egy kvartett az elmúlt év(tized)ekből. A kortárs vagy majdnem kortárs darabok két különlegessége, hogy szerzőik tanár-tanítvány-láncot alkotnak, Goffredo Petrassitól a mai magyar fiatal generációig, illetve hogy mindegyik kapcsolatban áll a közös mester, Bach művészetével.

In the season of 2022/23, Modern Art Orchestra presents excellent Hungarian composers to the audience of Opus Jazz Club. In their series of six concerts, they invite composers who experiment with orchestral sound and look for new ways of expression. They will also be the soloists of the concerts, presenting their new works. The artistic director, Kornél Fekete-Kovács and all the musicians in the outstanding MAO treat music with an attitude that transcends borders of genres. Musical creativity and free expression of musical thought takes the centre in their playing and compositions. During this season, they work with autonomous creative minds of modern Hungarian music, whose way of thinking falls close to theirs.

Norwegian pianist and composer Liv Andrea Hauge is known for her work with Kongle Trio and Ladybird Orchestra and is considered one of the promising new names from the Norwegian scene. Performing her music in various settings, from piano trio to large ensembles, she blends the joy of exploring impulses in free improvisation with clear melodic compositions.In her new trio she is joined by Georgia Wartel Collins on bass and August Glännestrand on drums. They will be debuting in Norway in the fall of 2022, followed by the Footprints Europe tour in and around Slovenia with the support of Druga Godba.In 2021 Liv Andrea Hauge won the prestigious Jazzintro at Oslo Jazz Festival with the Kongle trio, receiving a grant to record and tour with their music. The jury praised them for their unique energy, powerful tunes and confident, amazing play.

A "Generációk I. - kortárs művek vonósnégyesre" egy tematikus sorozat bemutatkozó koncertje. A sorozatban évről évre három különböző generáció jeles alkotói mutatkoznak be egy-egy kompozícióval. Célja, hogy a nagyközönség számára érthető módon prezentálja, mi az, amiben az X, az Y és a Z generáció zeneszerzői másképpen gondolkodnak, és ez milyen módon jelenik meg zenei eszköztárukban, invenciójukban. Az első hangversenyre a BMC Könyvtárban kerül sor, ahol öt alkotó (Balogh Máté, Bella Máté, Kutrik Bence, Tóth Péter és Madarász Iván) vonósnégyesei szólalnak meg a Sonus Cordis vonósnégyes előadásában. A koncerten felcsendülő művek rendkívül sokrétűek: a magyar népzenei ihletésű kompozíciók mellett elvont matematikai alakzatok zenei analógiái és dadaizmus által inspirált zenei reflexiók is helyet kaptak.

A hangverseny középpontjában a hegedű-zongora szonáta műfaja áll. Bartók 1922-ben bemutatott két szonátáját követően kikopott a műfaj a magyar szerzők repertoárjából. Az elmúlt száz évben elvétve találunk e két hangszer párosára íródott műveket. A koncert műsorával ezt a hiányt hivatott pótolni. Napjaink két kiemelkedő tehetségű zeneszerzője, Balogh Máté és Tornyai Péter vállalkozott rá, hogy feléleszti e hagyományt és elsők között reflektál a nagy előd, Bartók munkáira. Az est szellemiségét legjobban talán Tornyai Péter egy korábbi interjújában adott frappáns válasza írja le: Képzeljünk el egy sportbarát társaságot, akiknek rendszeres időtöltésük 10-20-50 évvel ezelőtti, jól ismert focimeccsek újra és újra végignézése. Egy alkalommal betoppan hozzájuk egy különc alak: „Kapcsoljuk be a tévét, most kezdődik a VB-döntő élő közvetítése!”

To be released in November, the Fenyves Quartet's latest album, The Sweetest Love of All, celebrates the band's fifth anniversary. The album consists of eclectic songs, composed by the band members and featuring a variety of musical styles that have infiltrated the jazz genre, with the omnipresent murmur of the Hammond organ in the background. The band's aim is to create an album with an entertaining character that will appeal not only to jazz fans but also to listeners of other genres. Márk Fenyves, who has appeared on 15 albums as a composer and guitarist, founded his traditional jazz guitar trio with Márk Miskolczi and Ábell Mihalik in 2017. The trio was joined by Dávid Benkő, a keyboardist known from PASO and the Subtones in 2021. In the same year, the quartet released their first album, spiced with blues, funk and fusion elements. In Live at Jókai Klub, colourful solos and familiar musical gestures come to life in a pleasant and relaxed atmosphere; the songs seamlessly lead from the previous work of Fenyves' trio to the quartet's musical world and Sweetest Love of All, featuring a new composition alongside the trio's reimagined songs.

Két örök kedvenc: a kukásautó és a Mikulás összegyúrva. Újragomboljuk a jó öreg szakállast, mert kaphatunk-e nagyobb ajándékot, mint egy szeméttelenítő, jólevegősítő, természetrekreáló Télapót? Ugyehogy ugye.

Az őszi háromrészes Szól a Pálca koncertsorozat témája A szépség forradalma lesz. A sorozat házigazdája, Hámori Máté, zenekarunk karmestere és művészeti vezetője segítségével emelkedünk filozofikus magasságokba. „[...] Egyetlen ismeret van, a többi csak toldás: Alattad a föld, fölötted az ég, benned a létra. Az igazság nem mondatokban rejlik, hanem a torzítatlan létezésben. Az öröklét nem az időben rejlik, hanem az összhang állapotában.” (Weöres Sándor: Szembe fordított tükrök) Végül az ember a szépséggel, ha betelt (lehetetlen amúgy), felnéz az égre és csendben hálát ad. Vagy hangosan ad hálát, síppal, dobbal, trombitával, angyal-énekkel. A Földért, a reggelért, a reményért, az emberért (igen, még az emberért is; igen, a hülyébbekért is), és hogy Isten biztosan megértse, ezért kell zene-nyelven előadni a hálálkodást. Suursum corda!

Kevés zeneműve létezik a nyugati művészi zene történetének, amelyet nagyobb dicsfény és több mítosz övezne, mint Johann Sebastian Bach kései gyűjteménye, A fúga művészete. Vajon ez volt az utolsó műve minden idők legnagyobb ellentpontművészének? Miért nem fejezte be az utolsó fúgát? Miért éppen ott szakad meg a kézirat, ahol a B-A-C-H zenei motívum felbukkan? Egyáltalán: miért írt valaki az 1740-es években fúgagyűjteményt, miközben az uralkodó zenei stílus az egyszerű dallamokkal és még egyszerűbb kíséretekkel operáló darabokat részesítette előnyben? Fazekas Gergely zenetörténész háromrészes előadássorozata ezekre a kérdésekre is megpróbál választ adni: tárgyalni fogja a korabeli zenetörténeti kontextust, a fúga műfajáról szóló elméleti vitákat, a gyűjtemény bonyolult keletkezéstörténetét és persze bemutatja magát a zenét is. Hogy mi köze ennek a 18. század közepén született, elvont fúgagyűjteménynek a 21. századhoz? Ez is ki fog derülni az előadássorozatból, amelynek zárásaként, december 13-án este 7 órától Borbély László előadásában a teljes darab megszólal a BMC Koncerttermében. 3. A zenei tökéletességMiután az első két előadás során megismerkedtünk A fúga művészete keletkezésének folyamatával és a történelmi-társadalmi-esztétikai körülményekkel, amelyek között ez a kivételes mű létrejött, harmadik előadásában Fazekas Gergely a sorozat zenéjei világába nyújt bevezetést. Bemutatja, hogy milyen páratlan invencióval helyezi Bach a legkülönfélébb zenei közegekbe az alaptémát: miként fordítja és nyújtja meg, hogyan helyezi egymásra a legkülönfélébb alakváltozatait, milyen ellentémákkal ereszti össze, s eközben miként járja be az ellenpontszerkesztés és a harmóniai gondolkodás teljes univerzumát. A fúga művészete a szerző szándéka szerint is összefoglaló mű, egy olyan szerkesztésmód lehetőségeit és határait mutatja be, amelynek Bach a legjelentősebb mestere volt. Azért is annyira lenyűgöző élmény ennek a zenének a közelebbi vizsgálata, mert ezekben a fúgákban minden idők legkáprázatosabb zenei intellektusa figyelhető meg működés közben. A teljesség igénye – interjú Fazekas Gergellyel

Why am I attracted to such ‘insurmountable peaks’ as Bach’s Die Kunst der Fuge? I have always been captivated by researching complex musical structures and the regularities of music as language. Working on such a monumental and searchingly difficult work is challenging for me primarily because it is at this level that I can confront my own limits, my own “finiteness”. It becomes evident here that we, humans, can only aim at Perfection but will never be able to achieve it. This is the reason why I never feel that my interpretation is “ready”. I would even abhor the idea. Why? Because one’s approach to a work will never be and can never be final. Bach’s music is also a continually forming, changing, infinite “game”, renewing itself again and again. Bach placed musical variability into divine invariability. (László Borbély)

Modern Art Orchestra’s Legendary Albums series presents the most important and unique albums of jazz literature, performed by MAO. By learning and playing these compositions and arrangements, the musicians are paying tribute to the jazz legends and are undergoing an intense process of musical improvement. The band absorbs the material of the original recordings, sticking to the arrangements, forms and compositional features. As improvisation is the blood of jazz, solos are invented by the players at the moment. Due to the respect shown towards the original conceptions of the legendary composers and the level of craftsmanship known from Modern Art Orchestra, the Legendary Albums series both brings you the essence of jazz tradition and guarantees a fresh musical experience. Legendary Albums - Miles Davis: Bitches Brew "August of 1969 marked Miles Davis’ boldest venture yet into undiscovered country. This time there was no more holding back, no more tentative experimentation, no more walking on eggshells. The album that emerged, Bitches Brew, was groundbreaking…" - Paul Tingen Bitches Brew came out in 1970 on the Columbia Records label. Being a historical jazz album in the truest sense, it hit the music scene like an asteroid. Group leader and legendary trumpetist Miles Davis, a genius of inventing revolutionary concepts, did not only divide his audience into two distinctive groups, but also invited a new group of interest, while proving and finalizing the position of instrumental jazz-rock fusion in the music history with Bitches Brew. Ferocity, curiosity, love, playfulness, pain and beauty fuel the mesmerizing grooves of Bitches Brew. It was awarded a Grammy for Best Large Jazz Ensemble Album in 1971. It is a remarkable challenge to learn and perform this album’s material. Modern Art Orchestra’s creative workshop is preparing this wonderful album for the upcoming concert of the Legendary Albums series. Don’t miss it!

A Concerto Armonico 2015-ben elindított Carl Philipp Emanuel Bach összes billentyűs versenyműve sorozata világviszonylatban is teljesen egyedülálló. A koncertsorozatot a 1994 és 2014 között rögzített, később Gramofon díjjal is kitüntetett, BIS Records által rögzített lemezsorozat ihlette. A Budapest Music Center (BMC) pódiumán évi két koncert alkalmával, újabb és újabb Carl Philipp Emanuel Bach concertókkal ismerkedhet meg közönségünk, bepillantást nyerve ezáltal az amúgy is ritkán játszott billentyűs művek csodálatos világába. A sorozat műsorát rendszeresen színesítik más szerzők művei is, így a második Bach-fiú versenyművei mellett kortársa, Joseph Haydn két remekműve is elhangzik, megvilágítva a két komponista zenéjének párhuzamait, de különbségeit is. Ezen a ponton csatlakozik sorozatunkhoz a Haydneum, amely intézmény egyik fő célkitűzése a magyarországi régizene-játszás népszerűsítése. Az este folyamán megszólaló Haydn: C-dúr hegedűverseny, Homoki Gábor tolmácsolásában, és a No. 46-os, H-dúr szimfónia színes, ötletes, élettel teli hangzásvilága méltán tükrözik Haydn híres ars poeticáját: „Az én beszédemet az egész világ megérti”.Rendező: Haydneum – Magyar Régizenei Központ A Haydneum működését a Miniszterelnökség és a Bethlen Gábor Alapkezelő Zrt. támogatja.